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Cuales son las mejores películas de Marlon Brando

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Era muy joven, era apenas su segunda película, pero la huella que Marlon Brando dejó en Un tranvía llamado deseo marcó a toda una generación de actores. Venía de interpretar al mítico personaje de Stanley Kowalski en Broadway (al igual que varios de los actores y actrices de la película). ¡Qué más se podía soñar un director que una temporada en Broadway a modo de “ensayo general” del filme! Eso sí, Jessica Tandy, que encarnaba a Blanche DuBois, fue reemplazada para la versión cinematográfica por Vivien Leigh. Su popularidad tras Lo que el viento se llevó (1939) lo aconsejaba. Esa fue la razón, pero lo que no llegaron a imaginar los productores terminó siendo lo fundamental: el verdadero “ensamblaje” que allí se produjo entre los protagonistas fue milagroso para un filme profundamente atmosférico. Y es que, a la inversa de Brando, Vivien Leigh (que también había encarnado a Blanche en el teatro, en Londres) era una estrella que ya iniciaba su descenso y su salud mental era frágil. Así, aunque esa temporada los Oscar y premios varios fueron para ella y no para él, esa potencia y fiereza de Brandon/Kowalski se enfrentaron a la fragilidad y pretendida superioridad de Vivien/Blanche, tal como lo describiera Tennessee Williams en su obra.

La camiseta ajustada en el cuerpo sudado de este hombre rudo y primitivo, en medio del calor de Nueva Orleans, falsamente despreciado por la altanera y decadente Blanche, se volvieron inolvidables. Esa reprimida y renegada tensión sexual entre la mujer pretendidamente aristocrática y un macho violento siempre a punto de estallar no ha tenido parangón.

El Capitán Kurtz de Brando es un ejemplo brillante de lo que la dramaturgia llama un “personaje referido”. Prácticamente toda la trama de Apocalipsis ahora se alimenta de las distintas versiones que los demás personajes tienen del –estrictamente ausente– héroe de guerra, traidor, bárbaro, genio, gurú, poeta, etc. La idea de Kurtz es el motor del viaje a las entrañas de la violencia bélica, pero ¿cómo se llena ese espacio de características mitológicas cuando, en los minutos finales de la película, este aparece?

Solo un año antes, Brando ya había demostrado que su portento actoral podía, en pocos minutos, dar espesor a esos diálogos ridículos en esa escenografía de papel aluminio como el padre de Superman, Jor-El. Pero la autenticidad de su método y de su estilo son, en Apocalipsis ahora, la primera capa de una operación mucho más compleja, porque Brando entiende el dispositivo cinematográfico como pocos y es capaz de pactar con el contrapicado y sus 130 kilos para lucir como un gigante, además de hacerse uno con el claroscuro. La frase “mi cuerpo es una escenografía” –que se le atribuye– es fiel reflejo de su comprensión profunda de este lenguaje. Y es que los paisajes sangrientos de un pueblo enloquecido en un montaje más afectivo que lineal son también parte de la psiquis del personaje, en una dialéctica diseñada para representar el malestar de una generación y en donde la actuación es sólo un engranaje donde, de hecho, menos es más.

La improvisación desde espacios biográficos oscuros que tanto fascinó –y que hoy parece imposible– fue la llave para abrir la puerta de la irracionalidad de la guerra. Kurtz es el corazón de las tinieblas de una época y Brando lo interpreta además con la vulnerabilidad y el titubeo que constituyó su sello como actor, y que en este caso dio forma a la perplejidad contemporánea, tan horrorosa como natural.

Marlon Brando no actuaba, vivía el momento. Brando crea un instante único en la historia del cine, tal es el momento en Nido de ratas, dirigida por Elia Kazan. El director de origen armenio encontró en el actor no sólo el instrumento para expresar sus emociones, sino la emoción misma, desarrollando frente a sus ojos y al ojo del cíclope, que es la cámara, un momento único en la historia del cine.

Me refiero a la secuencia en Nido de ratas, donde el joven estibador Terry Malloy habitado por Brando, avanza rodeado de los estibadores del puerto, cuyo sindicato es manejado por las mafias neoyorkinas. Terry camina, ha sido brutalmente golpeado, está a punto de caer y mira. Sus ojos se convierten en la proyección de la imagen de los demás, son ellos quienes lo observan, uno a uno, mostrando sus emociones. A través de ellos lo vemos caminando apenas, en dolorosa agonía, su dolor es la dignidad recobrada de todos.

En la imagen vista por sus ojos, trastabilla, la cámara también, el cine es él. Brando traspasa las convenciones y a través de su “memoria emotiva”, une fragmentos de emociones diversas de su propia vida y construye frente a nuestros ojos un momento de vida auténtico que compartimos todos, he ahí su magia ontológica que dota al cine de una posibilidad distinta de las demás artes. Sólo a través de la profunda relación de un maestro sin ataduras como Elia Kazan, ambos logran alcanzar la gloria y reinventar el lenguaje.

Tanto Marlon Brando como Elia Kazan adoran al mismo dios: Stanislavski, el maestro ruso autor del famoso método de actuación, que había trasformado el teatro. En el caso de la secuencia mencionada, Brando mediante su “monólogo interior” trasforma el cine, ya que lo objetivo (que no existe) se convierte en subjetivo y cambia las voces del relato y el tiempo, de manera que la definición de Pasolini: “El cine es la fragmentación del tiempo y del espacio”, en este caso muestra como la alteración del tiempo objetivo se transforma en una multiplicidad de tiempos subjetivos y no ya, nunca más, la mirada del director a su arbitrio en relación a la proyección de emociones, ni la del director de fotografía y, menos aún, la de la operación mecánica de una cámara o un lente.

El cine, pareciera decir Brando, son tus ojos, es tu mirada la que convierte una escena de acciones ya previstas, en un momento único e irrepetible. He ahí a mi juicio la magia de este actor-autor: los cien años de Marlon Brando marcan en su agónico final al cine que conocemos.

“¿Contra qué te rebelas?”, pregunta una de las chicas que se acercan a Johnny Strabler, el mismismo Brando, en El salvaje. “¿Qué tienes?”, responde él. Es un rebelde frente a todo y nada, ante a un sistema que lo agobia con un status quo al que no quiere (ni puede) responder. Sus compinches le siguen a todos lados, aunque en varias ocasiones, los espectadores no sepamos muy bien por qué. Brando es alguien cuya presencia en pantalla nos obliga a observar sin poder sacar los ojos de ella y, de pasada, a convertirnos a nosotros también en sus incondicionales.

Aunque muchos conocimos a Marlon Brando a través de otros roles, me gusta pensarlo como este sujeto vestido con chaqueta de cuero, boina y anteojos oscuros, corriendo por la carretera en su motocicleta sin un rumbo conocido, y emergiendo sorpresivamente en medio de los créditos de la película. Un rudo que parece impenetrable, pero que de a poco va mostrando todas sus facetas. Desde ahí, lo más interesante de Brando es precisamente lo que más tarde lo iría modelando como un ícono: la posibilidad de expresar las múltiples felicidades y tormentos de sus personajes con un solo gesto que haría que, a lo largo de su carrera, sus espectadores nos involucráramos con él creyendo en todo lo que quisiera contarnos. En El salvaje nos enfrentamos a una constante de lo que vendrá más adelante, porque convengamos que, aunque esta película forme parte de sus inicios, Brando jamás pudo evitar ser un gigante.

Sólo 40 minutos de las casi tres horas totales de la cinta y muy puntuales apariciones le bastan al actor para desarrollar no sólo uno de sus personajes más emblemáticos, sino que además uno de los más legendarios de la historia del cine. Imitada y homenajeada hasta el día de hoy, medio siglo después su caracterización sigue siendo un referente ineludible si se aborda la representación de la mafia en la pantalla grande, a tal nivel que incluso es conocida por quienes nunca han visto la película de Coppola.

Si cuando se anunció el elenco alguien pensaba que a sus 47 años era aún joven para un rol como este, las dudas quedaron totalmente disipadas, porque su Vito Corleone no es sólo un producto del maquillaje: a través de su corporalidad, las sutilezas y detalles en la gestualidad y la manera de modular y pronunciar sus frases, nos creemos en todo momento que estamos ante un veterano capo mafioso. Ya desde su estreno y más aún con el paso del tiempo este Don Corleone pasó a ser percibido como un arquetipo, alguien que corresponde a lo que los estadounidenses llaman “larger than life”, pero una de las cosas que fascina en cómo lo aborda Brando es que, pese a ser alguien que impone respeto y simboliza y representa tanto poder y autoridad, a la vez tiene una presencia austera, sencilla y ajena a grandilocuencias, lo que ayuda a que se lo sienta humano y no como una máquina o una simple caricatura.

Uno de mis amores platónicos del cine de los 50 y los 60 fue Marlon Brando. No sé si ha nacido otro actor tan colosalmente talentoso y magnético. Al menos eso pensaba antes de enterarme de lo sucedido en El último tango en París, donde Brando (48 años en esa época) encarna a un hombre en duelo por la muerte de su esposa y “cae” en una férvida relación sexual con una mujer 20 años más joven, caracterizada por Maria Schneider (19 años).

En la película hay una escena de violación, la cual fue maquinada por Bernardo Bertolucci y Brando, sin contarle a Schneider. Al momento de grabar la escena, la actriz no tuvo posibilidad de reaccionar ni defenderse, y la humillación que se ve en cámara no es actuada, sus lágrimas fueron reales, según sus propias declaraciones. Cuando supe de este abuso, la colosal imagen de éste ídolo se me comenzó a derrumbar. ¿Puedo hablar de Brando solamente como un gran actor, sin mencionar que es también un gran abusador, o al menos uno que quiso dejar esa violencia registrada en la pantalla grande? La respuesta es no. Me pidieron homenajear a Marlon Brando y no puedo hablar de las puras luces. No en esta época. “El duque en sus dominios” (Truman Capote lo apoda así en Retratos) tiene un lado tan oscuro como otros tantos ídolos que nos encantaron con su genialidad hasta sacarnos lágrimas.

Una interpretación mítica, muy breve. De acuerdo a la leyenda, Brando improvisó la mayor parte de sus diálogos y acciones en la película de Coppola. Como en otros roles, la presencia en el cuadro es impresionante, pero acá esa aura juega un rol incluso más relevante, porque, al mismo tiempo, hay escasa acción. Esos breves destellos tienen que venir a justificar el viaje que conduce hacia él. El cráneo completamente afeitado le otorga un marco increíble a los ojos. Y aunque es paradigmáticamente el actor de método, acá pasa algo vinculado al estar ahí, presente, en el encuadre, que conecta este rol a la idea –opuesta al método– de un actor de cine como el modelo de una pintura que señala Bresson.

Una carretera vacía. Unos motoqueros avanzan a toda velocidad. La música estridente brinda tensión. Enfundado en cuero, Marlon Brando lidera la pandilla. Su nombre en los créditos le cubre el rostro. Así comienza El salvaje, de László Benedek, película que el mismo actor consideraba como una suerte de declaración de principios sobre su propia rebeldía, a pesar de que el objetivo de sus creadores estaba lejos de elogiar a la juventud salvaje de los 50. La grandeza de Brando es que pudo contrarrestar la moralina sensacionalista del filme a fuerza de carisma, mucho estilo y los artificios propios del método interpretativo que fue puliendo con los años.

El salvaje –en la que también brilla el gran Lee Marvin– está lejos de imponerse como su mejor película, pero es la que mayor repercusión tuvo en la cultura popular. Dicen que Elvis se dejó crecer las patillas luego de verla y se sabe que subculturas juveniles como la de los Teddy Boys o los Hell’s Angels moldearon sus principios visuales gracias a ella. Ni hablar del cine. La producción fue el puntapié inicial de un subgénero que se extiende a clásicos como Rebelde sin causa (1955) o apuestas menos recordadas como Devil’s angels (1967), con un joven John Cassavetes replicando las enseñanzas del pionero en materia de actuación, estilo y displicencia cool.

Brando definió los códigos de la insubordinación y no la abandonaría jamás. Repudiaría a la industria, se recluiría, faltaría a los Oscar, rechazaría los estereotipos, borraría su propia huella icónica engordando, como si esa fuese la última barrera por cruzar en los superficiales y abusivos territorios de Hollywood.

La jauría humana es uno de los grandes fracasos en la carrera de Brando, pero es también una compleja película coral y un retrato pesimista sobre las redes de influencia en torno a una poderosa familia en un pequeño poblado de Texas, aterrada ante la fuga de prisión de un condenado injustamente por homicidio y su inminente ajuste de cuentas con ese clan.

Arthur Penn –un año antes de Bonnie & Clyde (1967) – filmó este relato intenso y brutal que descubre las miserias morales y humanas de ese pequeño grupo de patriarcas adinerados, que funciona a la perfección como micromundo de las presiones de clase en cualquier contexto. En ese entorno Brando encarna al sheriff Calder, personaje bisagra que cree en la inocencia del convicto y precisamente por eso recibe, en el último tercio del filme, una paliza que es sin duda el momento más recordado de su trabajo en él.

Probablemente por esa intensidad, y por la dura mirada a la elite económica en los años inmediatos al asesinato de Kennedy, este filme estupendo y sobrecogedor fue despreciado durante décadas y revalorado junto al desbordante trabajo que Brando logra en él, a pesar de que Penn renegó de su autoría y que el actor ni siquiera lo menciona en sus memorias publicadas a mediados de los noventa.

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Cobreloa gana en el Monumental y hunde a Colo Colo

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Después de nueve años, Colo Colo y Cobreloa volvían a verse las caras en Primera División. Una de las rivalidades contemporáneas más estrechas tuvo la noche de este lunes una nueva versión en el estadio Monumental. Ambos llegaron a este encuentro con la necesidad de regresar al triunfo después de un comienzo de torneo bastante irregular. Y fue el cuadro loíno el que aprovechó la oportunidad ganando 2-0 y llenando de dudas al equipo de Jorge Almirón.

Los albos presentaron a su equipo estelar, con la salvedad de la ausencia del lesionado Carlos Palacios, y rápidamente tomaron el protagonismo de las acciones ante un cuadro de Calama que optó por arroparse en el fondo y aprovechar la velocidad de Francisco Arancibia y Bairon Monroy y el oportunismo de Cristian Insaurralde.

A los 9′, Cristian Zavala tuvo el primero, pero Nicolás Avellaneda estuvo atento en el achique. En la jugada siguiente, Guillermo Paiva sacó un disparo que pasó cerca del pórtico loíno. A los 26′, un cabezazo de Marcos Bolados salió apenas desviado tras un córner. Sin embargo, un minuto después, en la primera ocasión que tuvo el cuadro del desierto, no perdonó. Insaurralde aprovechó una mala intervención hacia atrás de Arturo Vidal, que también sorprendió a Maximiliano Falcón, para batir con un remate inatajable a Brayan Cortés.

El tanto remeció al Cacique y le dio más confianza a los naranjas. Aun así, Vidal tuvo el empate a los 38′, pero su remate paso rozando el palo derecho de Avellaneda. A los 43′, el juez Nicolás Millas, de discreto cometido, mostró una injustificada tarjeta amarilla a Insaurralde tras una dudosa falta sobre Cortés, lo que significó su expulsión por doble amonestación.

Con la superioridad numérica, Colo Colo se volcó en el segundo tiempo hacia el arco nortino. Antes de los cinco minutos, Avellaneda ya era figura con tres notables tapadas. Y cuando no, el palo lo salvó, como en los 54′, cuando un remate de Erick Wiemberg se estrelló en el madero.

El asedio contra el pórtico calameño daba la sensación de que en cualquier momento iba a caer el empate. Por ello, el DT Emiliano Astorga decidió reforzar el circuito defensivo, donde Bastián Tapia y Rodolfo González fueron grandes figuras, dejando en soledad a Gastón Rodríguez como único atacante.

Con el correr de los minutos esos atacantes siguieron intensificándose, especialmente por las bandas. También de media distancia. De hecho, a los 65′, Avellaneda voló espectacularmente para sacar un remate potentísimo a Wiemberg desde fuera del área.

Precisamente, momentos después de esa extraordinaria atajada, y luego de un mal despeje del propio lateral izquierdo del cuadro popular, el volante loíno Rivaldo Hernández, quien al igual que el astro brasileño que inspiró su nombre, metió un pase notable para el Rodríguez. El uruguayo aguantó la marca y remató con potencia para poner el 2-0 y silenciar al Monumental.

El segundo tanto fue un verdadero mazazo para Colo Colo. Confundido y con poca efectividad, cayeron en la desesperación. De hecho, sobre el final fue expulsado Brayan Cortés por una absurda agresión a Rodolfo González, por lo que se perderá el clásico ante la UC. El loíno también vio la roja.

La derrota aleja aun más a los de Almirón de la pelea por el Torneo Nacional. A 10 puntos de la U y con la exigencia de la Copa Libertadores por delante, los albos comienzan a caminar por la cornisa.

Cobreloa, en tanto, vuelve a ganar en Macul después de 13 años, pasó arriba en el historial ante uno de sus más enconados rivales y se mete en la parte alta de la tabla.

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“Portaban fusiles de guerra”: Codina pide medidas al gobierno tras ataque de presuntos miembros del Tren de Aragua a escuela en Puente Alto

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El alcalde de Puente Alto, Germán Codina, se refirió esta jornada a la denuncia realizada por una escuela popular de la comuna, desde donde indicaron que la semana pasada fueron invadidos, amenazados y robados por un grupo de sujetos fuertemente armados, quienes se habrían identificado como miembros del “Tren de Aragua”.

La declaración fue publicada en redes sociales de la escuela popular “El sueño de todas y todos”, un proyecto pedagógico inserto en la comunidad “El sueño de todos”, emplazada en el sector de Casas Viejas de esa comuna.

En el texto, indican que “las noches del 10 y el 11 de abril un grupo de aproximadamente 20 personas fuertemente armadas hace ingreso a la comunidad mediante el uso de la fuerza, reduciendo y amenazando a los vecinos que se encontraban de guardia durante esa noche. Durante las horas que permanecen en la comunidad, ingresan a distintos domicilios robando y destruyendo sus bienes materiales”.

Agregan que “en ambos episodios, este grupo de personas retiene y amenaza a los dirigentes de la comunidad y sus familias”, a lo que añaden que los dos días “esta agrupación se identifica como miembros del Tren de Aragua y son explícitos al manifestar que su objetivo es tomar el territorio”.

En este sentido, en su declaración pública señalan que se interpuso una denuncia ante Carabineros y que los vecinos decidieron evacuar a los niños de la comunidad, mientras los adultos se organizan para realizar una “vigilancia comunitaria” de sus hogares.

Tras conocer el episodio, el alcalde Germán Codina indicó que “esta es una situación que muestra la gravedad de lo que estamos viviendo en nuestro país con el avance del crimen organizado, porque no es delincuencia habitual, esta banda portaba fusiles de guerra”.

En este marco, el jefe comunal hizo un “llamado al gobierno a, de una vez por todas, entender que esto no se combate simplemente oficiando a las policías, necesitamos medidas efectivas y concretas y, además, terminar con la discriminación histórica en la distribución de las dotaciones policiales”.

Codina agregó que “esa falta de carabineros que hay en distintas comunas de nuestro país, termina siendo el caldo de cultivo para que siga avanzando el crimen organizado”.

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Karol Cariola ganó la presidencia de la Cámara de Diputados

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“¡Que venga la novia!”, vitoreó un grupo de legisladoras del Frente Amplio y el PC al ver salir desde la sala de la Cámara a la diputada Karol Cariola (PC).

Minutos antes, en una estrecha votación, la parlamentaria comunista, quien lucía un traje de chaqueta blanca y pantalones negros, se había impuesto, con 76 apoyos, a la postulante de la oposición, la diputada Joanna Pérez (Demócratas), quien obtuvo 75 respaldos.

En vista de que ninguna de las candidatas obtuvo la mayoría absoluta de 78 de 155 diputados, la elección tuvo que definirse en una segunda vuelta, que además de las vicisitudes políticas, estuvo marcada por algunas dificultades técnicas en el sistema de votación electrónico.

Estos inconvenientes obligaron al personal informático de la Cámara a desplegarse por toda la sala, tratando de resolver contratiempos, extendiendo aún más el suspenso.

Sin embargo, una vez dada a conocer la frágil mayoría, un tumulto de parlamentarios se generó en torno a Cariola, quien se convertía de esta forma en la primera militante del Partido Comunista que llegaba a presidir una de las dos ramas del Congreso en los 112 años de historia de la colectividad.

En esos momentos ingresó a la sala el ministro secretario general de la Presidencia, Álvaro Elizalde (PS), junto a la subsecretaria Macarena Lobos, quienes fueron actores clave en las negociaciones que permitieron al oficialismo retener el control de esta rama del Congreso.

Hasta la semana, parlamentarios de la alianza gubernamental daban por perdida la elección de las nuevas autoridades de la Cámara, lo que sumado a la reciente derrota que sufrió el oficialismo en la presidencia del Senado, configuraban un cuadro adverso para los intereses del Ejecutivo, especialmente para mantener la velocidad de sus reformas emblemáticas en materia previsional y tributaria.

Sin embargo, en las últimas dos semanas, Elizalde y su equipo reforzaron gestiones en la Cámara para tratar de conseguir votos de legisladores independientes y no alineados como el PDG. En las tratativas también fue crucial el despliegue de los diputados Jaime Araya (jefe de la bancada PPD-Independientes), Eric Aedo (DC), Daniel Melo (jefe del comité PS) y su antecesor Daniel Manouchehri (PS).

De estas conversaciones surgió la conformación de la nueva mesa de la Cámara. Cariola será acompañada por los diputados Gaspar Rivas (PDG), como primer vicepresidente, y el mismo Aedo (DC), como segundo vicepresidente.

El problema de la nueva mesa es que la frágil mayoría con la que fue elegida (76 votos contra 75 de la oposición), la deja expuesta a posibles censuras (solicitudes de destitución). Por lo que una de las tareas del gobierno será tratar de lograr un piso mayor de apoyos a las nuevas autoridades de la Cámara (de al menos 78 diputados), ya que la oposición ya tiene decidido comenzar a buscar argumentos para derribar la mesa.

No obstante, dado el tenso proceso que vivió el oficialismo en esta renovación de autoridades de la Cámara ya existe un acuerdo de las bancadas de gobierno para que la actual mesa directiva presidida por Cariola se mantenga al menos por un año para tratar de limitar las arremetidas de la oposición.

Este era el tercer intento personal de Cariola por llegar a la testera. En 2020 fue derrotada en su intento por ser elegida vicepresidenta. Luego, en octubre 2022, su partido depuso su postulación a la presidencia de la corporación ante los ruidos que había en algunos parlamentarios que pusieron en duda el apoyo a la legisladora comunista debido a varias episodios políticos, uno de ellos su rol de vocera en la fallida campaña del Apruebo en el plebiscito constitucional de septiembre de ese año.

Tras el triunfo, Cariola entregó su primer discurso como titular de la Cámara Baja: “Saludar primero a todos mis colegas, que han honrado la palabra empeñada y hoy han dado su voto a favor para que una militante del Partido Comunista de Chile por primera vez en la historia de nuestro país pueda presidir esta Cámara de Diputados y Diputadas”.

“También quiero agradecer a mi bancada por la confianza que depositan en mí para entregarme esta importante responsabilidad de representarles en la mesa de esta corporación. A la máxima responsabilidad que es la presidencia. De cara al país y frente a cada uno de mis colegas presentes, quiero reafirmar nuestro compromiso con las instituciones y nuestro respeto y defensa irrestricta con la democracia”, recalcó.

La parlamentaria sostuvo que es militante “de un partido que ha dado pruebas de ello, estando sus militantes, nuestros compañeros y compañeras, incluso dispuestos y dispuestas a dar la vida por ello”.

Asimismo, apuntó que en esta jornada “ha caído afortunadamente un veto atávico, no solo anticomunista, sino que también antidemocrático. Porque la soberanía popular implica que si el pueblo es capaz de votar y elegir a los comunistas para los cargos de representación popular para los que hemos sido electos (…) no tiene por qué existir vetos elitistas y antidemocráticos, que sólo recuerdan los peores momentos de nuestra historia, en que a través de leyes malditas se ha intentado acallar nuestras ideas”.

Por su parte, ante el nuevo escenario de la Cámara, el ministro Elizalde destacó la necesidad de “insistir en la importancia del diálogo democrático para avanzar en la aprobación de iniciativas legislativas que solucionen los problemas que afectan a los chilenos en su vida cotidiana, que es el principal compromiso que tiene el gobierno del Presidente Gabriel Boric”. En particular, mencionó la reforma de pensiones y el pacto fiscal, así como las agendas de seguridad y de probidad y transparencia.

“Esta no es la primera vez que se realiza una votación que tiene un resultado estrecho en lo que va del actual mandato (…) Por eso, nos parece fundamental construir acuerdos y sobre todo voluntad de diálogo entre los distintos actores, que permitan dar estabilidad al trabajo legislativo”, dijo el ministro, quien ante los cuestionamientos por un supuesto “intervencionismo” del Ejecutivo, recordó que los que critican el rol del gobierno son los mismos que planteaban si el oficialismo perdía esta elección había que realizar un cambio en el comité político.

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